Rundgang

Im Erdgeschoss erwarten Sie zahlreiche Raumensembles unterschiedlicher Epochen und Stile. Außerdem Exponate aus dem antiken Ägypten, Griechenland und Rom. Die italienische Renaissance ist mit Kabinettschränken, Kleinplastiken und Majolika vertreten. Objekte, die im Rahmen des christlichen und jüdischen Glaubens entstanden sind, finden Sie hier ebenso wie Cembali, Clavichorde, Lauten und eine umfangreiche Porzellansammlung.

Lieblingsobjekte

Lukanisch-rotfiguriger Glockenkrater, Brooklyn-Budapest-Maler, um 380–360 v. Chr., Eigentum der Republik Italien, Foto: MK&G/Maria Thrun

Glockenkrater

Zumeist sind es spannende wissenschaftliche Beobachtungen oder die Ästhetik, die ein Objekt zu einem Lieblingsobjekt werden lassen. So war es anfangs auch mit diesem griechischen Mischgefäß für Wein und Wasser. Einzigartig ist die Darstellung des Götterboten Hermes als Karikatur mit Spitznase, Bäuchlein, dürren Beinen und riesigem Geschlecht in Begleitung von Satyr und Mänade. Doch diesmal liegt der Reiz an anderer Stelle. Seit 1983 als private Leihgabe ausgestellt, hatte das Museum diese besondere Vase nach sorgfältiger Prüfung im Jahr 2008 angekauft, um um sie dauerhaft der Öffentlichkeit und der Wissenschaft zugänglich zu machen. Im Jahr 2020 kontaktierte das Comando Carabinieri per la Tutela del Patrimonio Culturale, die italienische, auf Kulturgutschutz spezialisierte Polizeieinheit, das Museum: Die Vase war in den beschlagnahmten Unterlagen des sizilianischen Kunsthändlers Gianfranco Becchina aufgetaucht. Mafiakontakte, illegaler Handel, Hehlerei – die Anklagepunkte waren vielfältig und die Beweislast erdrückend, so dass alle Verkäufe durch ein Gericht in Rom für unrechtmäßig erklärt wurden. Die sofortige Rückgabe durch das Museum und der jahrelange Einsatz zum Schutz archäologischer Kulturgüter resultierten in einem Abkommen über eine enge Zusammenarbeit mit Italien – weg von Ankäufen, hin zu Dauerleihgaben. Und somit steht die Vase für vier Jahre wieder in der Sammlung.

Frank Hildebrandt, Leiter Sammlung Antike

Louis-Seize-Raum, um 1775, Hamburg, Foto: Roman Raacke

Louis-Seize-Raum

Kein Glas, keine Vitrine! Ich stehe mitten in meinem Lieblingsexponat, dem Louis-Seize-Zimmer. Diesen getäfelten Raum hat der Hamburger Kaufmann und Ratsherr Nikolaus Gottlieb Lütkens (1716-1788) um 1780 aus Frankreich importiert und in sein Haus in der Katharinenstraße 17 einbauen lassen. Kurz vor Abbruch des Hauses 1877 erwarb der damalige Direktor des MK&G, Justus Brinckmann, das Getäfel, „eines der hervorragendsten Stücke der Sammlung“. Mit seinen Blumengirlanden, Ranken, antiken Vasen, Bändern und gekreuzten Olivenzweigen ist dieser Raum perfektes Louis-Seize. Dieser Stil geht zurück auf eine Initiative von Madame de Pompadour, die, wohl des Rokokos überdrüssig, eine Kunstdelegation nach Rom entsandt hatte, um dort klassische Dekorationselemente zu studieren. Wenn ich im Museum bin, mache ich immer einen Abstecher zu meinem Lieblingsexponat und genieße die perfekte Symmetrie und die Harmonie, die dieser Raum ausstrahlt. Im 19. Jahrhundert als Showroom und Konzertsaal der Klavierfabrik C. H. Schröder, war dieser Raum hoffentlich verkaufsfördernd! Auf jeden Fall war es ein schöner Rahmen für einen Klavierabend des 17-jährigen Johannes Brahms am 14. April 1849. Heute beherbergt der Raum drei Möbel von Abraham und David Roentgen sowie einen modernen Nachbau der Wandelkommode, der dazu einlädt, die Funktionen des Originals zu entdecken.

Emmanuelle Bertrand, Ehrenamtliche Mitarbeiterin

Elfenbeinskulptur mit Contrefait-Kugel, Süddeutschland, 17. Jh., Foto: MK&G/Jörg Arend

Contrefait-Kugel

Die eigentliche Bedeutung des Wortes Contrefait ist gefälscht, nachgeahmt oder verwachsen, die zweite Wunderkugel. Das Objekt mit der wie eine Süßigkeit klingenden französischen Bezeichnung sieht auf den ersten Blick aus wie ein Kunstwerk aus dem asiatischen Raum. Dieses ist aber süddeutsche Drechslerarbeit aus dem 17. Jahrhundert, gefertigt im weitgereisten Material Elfenbein. Zwischen den wie an einer Perlenkette aufgefädelten unterschiedlichsten Plättchen, Spulen und Ringen, fasziniert die große mehrschichtige Kugel. Ihre innenliegenden weiteren Kugeln sind unabhängig voneinander beweglich und verlangten höchste Handwerkskunst, da das Objekt aus einem Stück gefertigt und nicht, wie man zunächst vermuten möchte, zusammengesetzt ist. Möglicherweise ist das Kunststück im Laufe der Zeit exzentrisch geworden, möglicherweise war eine perfekte Symmetrie aber nie gewollt. Der ursprünglichen Wortbedeutung entsprechend ist es vielleicht ein Versteckspiel, ein Rätsel, ein Geheimnisträger? Wen sollte es beeindrucken, galt es als ein Zeitvertreib – zum Draufrumdenken, Träumen, Rätseln, Anschauen, Drehen und Spielen wollen? Zwischen all den nützlichen Sachen in der Vitrine, Vasen und Trinkgefäße – eine kleine Provokation. Kein um zu, nur ein für: die Freude. Und deshalb ein Lieblingsstück.

Julia Behrend, Senior Registrar

Tabatière in Form eines Mopses, um 1750, Deutschland, MK&G, Foto: Roman Raacke

Schnupftabakdose

Helles Fell, große Augen, rosa Zunge und Halsband – bei dieser aus Emaille gefertigten Dose handelt es sich um eine Tabatière in Form eines Mopses. Neben anderen Behältnissen und Riechfläschchen, die sich in benachbarten Vitrinen befinden und Formen von Birne, Blumenstrauß, Kopf und sogar einem Geistlichen im Talar annehmen, widmet sich diese Vitrine dem Hund. Dass Dosen im 18. Jahrhundert in verschiedenen und teils ausgefallenen Formen gestaltet sind, ist mir zwar geläufig, aber diese Ansammlung an Mops-Figuren ist doch erstaunlich. Mit der exotisierenden Begeisterung für die sogenannte Chinamode kam die aus Ostasien stammende Hunderasse in die europäischen Salons, doch diese Tabatière hatte eine spezifische Funktion: als Geschenk innerhalb des „Mopsordens“. Dabei handelte es sich vermutlich um einen 1740 gegründeten geheimen Orden freimaurerischer Prägung, dem auch Frauen angehörten und deren Mitglieder sich selbst als „Möpse“ bezeichneten. Damals als Symbol von Treue und Verbundenheit geschätzt, ist der Mops heutzutage aufgrund seiner Überzüchtung und rundlichen Statur eher negativ besetzt und wird auch als abwertende Bezeichnung für Brüste und mehrgewichtige Menschen verwendet. Kritisch, skurril und irgendwie auch niedlich – diese Mops-Tabatière vereint viel größere Bedeutungen, als ein erster Blick vermuten lässt.

Carina Engelke, Mitarbeiterin Freiraum

Statuette der Göttin Isis, 1. Jahrhundert n. Chr., Bronze, Foto: MK&G/Maria Thrun

Die Göttin Isis

Die Statuette der ägyptischen Göttin Isis ist aufgrund ihrer detaillierten Gestaltung zweifellos eine der qualitätvollsten figürlichen Bronzen und eines der Topstücke der Antikensammlung. Ihr Kult war seit dem späten 4. Jahrhundert v. Chr. populär und breitete sich unter den Römern im gesamten Mittelmeerraum bis nach Britannien aus. Da die Menschen sie mit zahlreichen griechischen und römischen Göttinnen gleichsetzten und mit unterschiedlichen Aufgaben verbanden, erhielt sie den Beinamen Myrionýmos, die Göttin mit den zehntausend Namen. Sie steht auf einer rechteckigen Basis mit vier Füßen. Ihr linkes Bein ist vorgesetzt, ihr rechter Arm vorgestreckt. Unter dem langen Mantel schaut der Saum eines feinen Gewandes (chiton) hervor. Darüber trägt die Göttin die Knotenpalla, das charakteristische Isisgewand, das auf Brusthöhe verknotet und dessen Saum mit Fransen besetzt ist. In der am Körper herabhängenden Linken hält sie einen kleinen Eimer (situla). Um den rechten Unterarm ringelt sich eine Uräusschlange. Das Gesicht wird von einer Stufenperücke mit aufgedrehten Locken gerahmt, ebenfalls ein Kennzeichen der Isis. Sie trägt ein mit einer Uräusschlange verziertes Diadem sowie eine Hathor-Krone; diese besteht aus einem Unterteil, seitlich auskragenden Kornähren und langgezogenen, lyraförmigen Kuhhörnern, die eine Sonnenscheibe vor einem Federpaar umschließen.

Frank Hildebrandt, Kurator Sammlung Antike

Textilbesatz mit Wachtel, Ägypten, koptisch, 5. bis 6. Jh., Foto: MK&G/Gisela Körbelin

Koptische Wirkerei

Eine Wachtel trippelt durch Gebüsch und Wüstensand in Richtung grün besäumtem Nilufer. Fast hat sie den Schilfgürtel erreicht; auf der einen Seite die staubige Landstraße mit dem heraneilenden Streitwagen des Pharaos, auf der anderen Echsen, Schlangen und Krokodile im flachen Wasser des Flusses. Vom Regen in die Traufe sozusagen. Zeitgleich überquert eine kleine Herde Schafe die Landstraße, sie hat nur das Grün des Ufers im Blick und schon nimmt das Unabwendbare seinen Lauf: Streitwagen und Lämmchen kollidieren. Als sich die Staubwolke legt, schweben noch ein paar goldene Federn zu Boden. Zur falschen Zeit am falschen Ort. Nennt sich Schicksal. Die Lämmer liefern also schneller als vorgesehen die Wolle für das Garn dieser Wirkerei, denn ihr Hirte hat zwar nicht aufgepasst, ist aber nachhaltig unterwegs und lässt nichts verkommen. Er bringt Schafe und Vogel in die Heimstatt zur Gattin, die sie sinnvoller Verwendung zukommen lässt. Seit langer Zeit sind alle Beteiligten zu Staub zerfallen, nur die koptische Wollwirkerei mit dem Wachtelmotiv auf einem Leinengewand hat in farbenreicher Frische die letzten 1500 Jahre überdauert. Bereits seit 1897 ist das gute Stück Teil unserer textilen Sammlung.

Jenny Brauer, Sammlungsverwalterin Mode und Textil

Oktavcembalo/Ottavina, Italien, um 1720, Foto: MK&G/Angela Franke

Oktavcembalo / Ottavina

Diese besondere Ottavina bringt mich mit ihren dezenten Hellblautönen, welche bis ins sanfte Dunkelblau verlaufen, und der fragilen Bauweise der gebogenen Beine in eine melancholische Stimmung. Ich versetze mich in die Rolle einer gut betuchten Italienerin der 1720er Jahre und stelle mir den einst wundervoll hohen Klang dieses kleinen aber feinen klavierähnlichen Objektes vor. Ich habe den Eindruck, dass, sobald ich diese zarte Ottavina berühre, sie in Millionen kleine Teile zerbrechen würde. Unmöglich, sie wieder auf so wunderschöne Art zusammenzusetzen. Ich schwelge oft in der Vergangenheit. Dieses Objekt scheint auch in der Vergangenheit hängen geblieben zu sein. Die Bilder auf der Innenseite der Flügel und der Umrandung erzählen viele eigene, mögliche vergangene oder auf uns zukommende Geschichten. Die vielen kleinen Details, beispielsweise auf den Tasten, oder die Malereien von Engeln auf der Innenseite zeigen, wie viel Arbeit und Feingefühl in dieses Oktavcembalo gesteckt wurde. Eine Mühe und Achtsamkeit in Handwerkskunst, die heute kaum denkbar wäre. Umso trauriger finde ich es, dass nichts über die Werkstatt bekannt ist.

Ela Nur Aydogdu, Praktikantin Kommunikation

Ein altes Zimmer mit Holzmöbeln und Holzwänden.

Stube aus dem Bauernhaus des Joachim Krey, Klein-Wisch, 1744, Foto: Roman Raacke

Wilstermarscher Zimmer

Mein Lieblingsobjekt ist das Wilstermarscher Zimmer im EG des Museums. Das Zimmer als Period Room ist eine Setzung von Objekten: Truhen, Stühle, Tische, Öfen und Wandvertäfelungen, die aus der Mitte des 18. Jahrhunderts und der besagten Wilstermarsch nordwestlich von Hamburg stammen. Ich gehe in meinen Pausen dort vorbei und genieße die Ruhe, die diesem Teil der Dauerausstellung innewohnt. Der Dielenboden knarrt und ich halte inne. Nicht das am Ende doch jemand aus der anderen Seite der geschlossenen und verzierten Tür hervorlugt und mich streng zu Tisch bittet. Die Fenster sind milchig verdeckt und erlauben keinen Ausblick, erhellen jedoch mit ihrem kalten Licht den dunklen Raum, der gleichermaßen beengend wie behütend wirkt. Es ist ein winterliches Mittagslicht und ich stelle mir vor, wie hinter der beschlagenen Scheibe der Schnee auf den Feldern und der Marsch liegt. Vögel suchen darunter nach verlorenen Resten der letzten Ernte. So kann man es sich gemütlich machen für einen Augenblick, denn die Kälte findet keinen Einzug in mein Zimmer, noch die Tauben oder die heranrasenden Züge des Bahnhofs, der hinter der imaginierten Schneelandschaft das reale Feld verdeckt.

Tilman Walther, Kurator und Leitung Freiraum

Glaskännchen aus „Schackert-Porzellan“, 1751/63, Glashütte Basdorf, Foto: MK&G/Roman Mishchuk

Glaskännchen

Glas oder Porzellan, das ist hier die Frage. Das kleine, etwas unscheinbar wirkende Kännchen gehört vielleicht nicht zu den schönsten Ausstellungsstücken des MK&G und dennoch fasziniert es mich. Es ist das Resultat eines Versuches der Gebrüder Schackert in Brandenburg, das aus China bekannte Porzellan im 18. Jahrhundert auch in Europa selbst herzustellen. Das Ausgangsmaterial der Kanne ist zwar Glas, das aber nicht wie üblich durch Blasen in Form gebracht wurde, wie Bearbeitungsspuren im Inneren zeigen. Das Erscheinungsbild der Kanne steht ebenfalls in starkem Kontrast zu anderen Gläsern: Der typische Glanz fehlt und die Oberfläche wirkt fast schmutzig und nicht so strahlend weiß wie bei Milchglas. Aber wie setzt sich das Material genau zusammen und war die ungleichmäßige Form gewollt oder ergab sie sich aus dem Herstellungsprozess? Auch nach Abwägung verschiedener Beobachtungen bleiben mehr Fragen als Antworten, die mir auch die Forschung (bisher) nicht wirklich beantworten kann. Solange übt das Kännchen weiterhin seine magische Anziehungskraft aus und ich bleibe vor der Vitrine zurück, in der Hoffnung, dass das Kännchen mir sein Geheimnis eines Tages preisgibt.

Annika Thielen, Sammlung Europäisches Kunsthandwerk und Skulptur

Cembalo, Pascal Taskin, Paris, 1787, Sammlung Prof. Dr. Andreas Beurmann, Foto: MK&G/Roman Mishchuk

Cembalo / Pascal Taskin

Dieses Instrument birgt mindestens so viele Rätsel in sich wie eine verwickelte Detektivgeschichte. Eine Signatur über den Tasten führt zunächst in die reiche Hafenstadt Antwerpen. Dort betreibt im 16. Jahrhundert, nur ein paar Gassen vom Haus des Malers Rubens entfernt, die Familie Ruckers ihre Werkstatt. Deren Instrumente sind von so überragender Qualität, dass sie noch ein gutes Jahrhundert später in Frankreich als kostbare Prestigeobjekte gehandelt werden. Und tatsächlich, oben auf dem Stimmstock findet sich eine zweite Signatur, diesmal von Pascal Taskin, dem Cembalobauer des französischen Königs. Er will das Instrument 1787 in Paris überarbeitet haben. Aber stimmt das überhaupt? Eher sieht es so aus, als ob Taskin seinem Kunden ein neues Instrument als teure Antiquität verkauft. Die Geschichte ist damit noch nicht zu Ende, denn im Innern des Korpus findet sich ein Reparaturzettel der Klavierbauwerkstatt Henri Herz aus dem Jahr 1866. Als eines der raren Cembali, die aus der Zeit vor der Französischen Revolution noch erhalten sind, wird es damals aufwendig restauriert. Die Wiederentdeckung der Alten Musik beginnt, aber das ist wirklich eine neue Geschichte.

Olaf Kirsch, Kurator, Leitung Sammlung Musikinstrumente

Ein Stein in der Form von zwei menschlichen Ohren.

Weihrelief, griechisch, 4. Jh. vor Christus, Foto: MK&G, Maria Thrun

Antikes Weihrelief

Etwas kurios mutet sie schon an, die Darstellung eines Ohrenpaares in Form eines Reliefs aus Marmor. Selten sind solche Artefakte allerdings nicht: Es handelt sich um Weihgeschenke, die sich häufig im Umfeld von sakralen Gebäuden, insbesondere von antiken Tempeln, fanden. Gewidmet wurden diese Votivgaben einer Gottheit entweder als Bitte um Heilung oder als Dank für die Genesung des abgebildeten Organs. Beispiele solcher nachgeformten Körperteile jeglicher Art aus verschiedenen Materialien, in der Regel Ton oder Stein, sind in der Sammlung Antike des MK&G zu sehen. Ob dieses Relief aus einem der bedeutenden Heiligtümer des Heilgottes Asklepios stammt, etwa aus Epidauros oder Kos, lässt sich leider aufgrund einer fehlenden Inschrift nicht mehr ermitteln. Im speziellen Fall dieses Reliefs mit den Ohren ist eine weitere Deutung denkbar, sogar die eher zutreffende: Womöglich war es für eine der „erhörenden Gottheiten“ (gr. theoí epékooi) bestimmt (z.B. Aphrodite), in der Hoffnung, jene möge sich den Sorgen und Nöten der Betenden hilfreich annehmen. Aus beiden Auffassungen ergibt sich für mich die spannende Überlegung, ob hier nun menschliche oder göttliche Ohren gemeint sind.

Ulrike Blauth, Marketing

Hamburger Schapp, Hamburg, um 1700, Foto: Sönke Ehlert

Hamburger Schapp

„Der passt aber nicht ins Wohnzimmer“ meinte eine Besucherin zu ihrer Begleitung als ich vor dem „Hamburger Schapp“ im Hamburger Zimmer im EG stand. Mit 2,60 Meter Höhe und 2,80 Meter Breite ist der barocke Schrank auch zu groß für die meisten Hamburger Wohnungen. Der „Hamburger Schapp“ entstand am Ende der Blütezeit der Hansestädte um 1700 und war damals schon nicht für das Wohnzimmer gedacht, sondern für die großen Dielen der Kaufmannshäuser. „Schapp“ bedeutet zwar nur „Schrank“, beschreibt aber einen bestimmten prunkvollen Schranktypus, welcher im ganzen Norddeutschen Küstengebiet weit verbreitet war. Furniert ist der „Hamburger Schapp“ deswegen mit dem damals angesagten und kostbaren Nussbaumholz und ist verziert mit aufwendigen Schnitzereien. Bei den Schnitzereien beweist der/die Erbauer*in ausführliche Bibelkenntnis. Dargestellt sind über 20 Figuren, überwiegend Frauengestalten aus dem Alten Testament. Die Putten an den Kapitellen symbolisieren die christlichen Tugenden Glaube, Liebe und Hoffnung und am Gesims des Schrankes ist das berühmte Salomonische Urteil zu sehen. Der Schrank ist mit seiner Größe und Kostbarkeit ein spannender Beweis des hanseatischen Reichtums.

Augustin Lavik, Jahrespraktikant Restaurierung Möbel und Holz

Fragment einer Rippenschale, 1. Jh. n. Chr., Foto: MK&G, Public Domain

Glasfragment

Diese faszinierende Nahaufnahme einer antiken Glasscherbe stammt aus der MK&G Sammlung Online. In Realität sind die Glasfragmente sehr, sehr klein – nur wenige Zentimeter. Eine Auswahl ist im Erdgeschoss in der Sammlung Antike ausgestellt. Begeben Sie sich doch mal auf die Suche nach ihnen, es lohnt sich. In knallbunten Farben, filigranen Mustern und abstrakten Formen liegen sie zusammen in einer Vitrine. Mehr Fragmente in großer Ansicht, ganz nah und detailliert, sollten Sie sich dann unbedingt noch in der Online-Sammlung des MK&G anschauen: Ganz einfach das Wort „Glasfragment“ in das Suchfeld eingeben und durch die Nahaufnahmen – eine schöner als die andere – stöbern. Ich kann mich gar nicht sattsehen an den vielfältigen Fragmenten, die mich an abstrakte Gemälde erinnern. Die Aufnahmen der Glasfragmente sind übrigens alle gemeinfrei, können also heruntergeladen und für jegliche Zwecke verwendet werden. Ich bin mir sicher: Mindestens eine Abbildung wird es zu einem Albumcover schaffen. Spätestens dann, wenn ich selbst mal eine Band gründen sollte.

Philipp Göbel, Digitale Kommunikation

Ein Stein mit einem im Profil nach links gerichteten Kopf eines jungen Mannes.

Relieffragment aus dem Grab des Maja, Ägypten, Sakkara, um 1350–1310 v. Chr., MK&G

Ägyptisches Relief

Im Sommer 1981 besuchte ich ganz aufgeregt an der Seite meiner damaligen Geschichtslehrerin die Ausstellung „Tutanchamun“ im MK&G. Ich kann mich noch sehr gut an die spannende Anreise mit dem Zug aus Lüneburg erinnern. Die Schlange der Besucher*innen reichte gefühlt bis zur Alster und ich konnte es kaum erwarten, endlich die Totenmaske des Pharaos bewundern zu dürfen. Damals ahnte ich noch nicht, dass ich viele Jahre später in diesem besonderen Museum als Assistentin der Direktorin arbeiten würde. Der Katalog hat bis heute einen Ehrenplatz in meinem Bücherregal und mein Interesse an Ägyptischer Kunst hat sich seitdem verstärkt. Im November 2022 jährt sich die Entdeckung des Grabes von Tutanchamun zum hundertsten Mal. Dies ist ein Grund mehr, dass für mich das Relieffragment aus dem Grab des Maya zu meinen Lieblingsobjekten dieses Hauses zählt. Es handelt sich hierbei um ein Bruchstück von der Reliefwand einer Grabkammer. Als Maya wird der Schatzhausvorsteher des Pharaos bezeichnet. Er hält Lotusblumen als besondere Gabe für den Grabherrn in seiner rechten Hand. Beim genaueren Betrachten erkennt man viele kleine Pigmente, deren Farbigkeit auch heute noch sichtbar ist. Was für ein besonderes Phänomen!

Gerrit Irmela Scharpen, Assistentin der Direktorin

Nahaufnahme eines Holzkopfes, eine Gesichtshälfte ist ein Totenkopf, die andere ein junger Mann.

„Memento Mori“, Niederlande, um 1650, Buchsbaum, MK&G

Viererkopf

„Memento Mori“ In der Sammlung Europäisches Kunsthandwerk sticht mir immer wieder ein kleines, fein gearbeitetes Objekt ins Auge: Der um 1650 in den Niederlanden gefertigte Viererkopf aus Buchsbaum erinnert die Betrachtenden in seiner Funktion als „Memento Mori“ an die Unzertrennlichkeit von Leben und Tod: Das Gesicht eines Kindes, einer Frau, eines Mannes und eines Schädels an den vier Seiten des Kopfes versinnbildlichen den unaufhaltsamen Lauf unserer kostbaren Lebenszeit. Der Kopf mahnt uns, dass wir nicht länger mit der Gestaltung unseres Lebens warten sollen, sondern das tun, was das Leben zu unserem eigenen macht. Der Viererkopf zeigt mir, dass alles schon da ist, was ich von meiner Geburt an mitbringe, dass alles vorgezeichnet ist. Meine Aufgabe ist es herauszufinden, was genau das ist, welchen Platz ich im großen Ganzen einnehme. Der Jahrtausende lang andauernde Prozess, in dem die Menschheit Kulturen erschaffen und sich immerzu weiterentwickelt hat, erscheint mir ohnmächtig gegenüber ihrem eigenen Ursprung, der Natur selbst. Wir sind Menschen. Wir leben, atmen, vergehen. Nicht mehr und nicht weniger. Und genau das gibt uns die Freiheit, im Einklang mit dem Menschsein aus dem Vollen zu schöpfen.

Dominik Nürenberg, Kommunikation

Zwei Silbermünzen. Eine Münze zeigt ein Gesicht, die andere zeigt einen Pferdekopf.

Tetradrachme, Silber, um 320–300 v. Chr., geprägt in Entella (Sizilien), MK&G

Tetradrachme aus Entella

Diese um 320 bis 300 v. Chr. geprägte Silbermünze mag als Beispiel für die zahlreichen in den Sammlungen zu entdeckenden Geschichten dienen. Sie gelangte 1921 als Brosche gefasst in das MK&G. Dargestellt ist auf der Vorderseite der von Delphinen gerahmte Kopf der Quellnymphe Arethusa. Auf der Rückseite ist ein Pferdekopf mit Palme zu sehen, eine phönizische Inschrift verweist als Prägeort auf Entella, eine punische Stadt auf Sizilien. Im Mythos bedrängt der Flussgott Alpheios die Nymphe. Mit Hilfe der Göttin Artemis gelingt der in eine Quelle verwandelten Arethusa die Flucht nach Sizilien, wo sie einen Steinwurf vom Meer entfernt als Lebensspenderin wieder zu Tage tritt. Sie wird zur Schutzpatronin der von Griechen im 8. Jahrhundert v. Chr. gegründeten Stadt Syrakus, das sich zu einer der mächtigsten Metropolen Süditaliens entwickelt, und ziert die Münzen der Stadt. Vielleicht ist es die schöne Geschichte oder das bezaubernde Gesicht der Arethusa, die zur Übernahme des griechischen Motivs durch Entella führen. Wahrscheinlicher ist aber die Orientierung am griechischen Zentrum der Macht, denn Münzen dienen in der Antike nicht nur als Zahlungsmittel, sondern sind wichtiges Medium zur Übermittlung von Nachrichten und Propaganda.

Dr. Frank Hildebrandt, Kurator, Leitung Sammlung Antike

Gliedermann, Monogrammist I.P., Passau, um 1525, MK&G

Gliedermann

Wenn ich unserem Gliedermann in seine hölzernen Augen blicke, den imposanten Bart und die lockigen Haare anschaue, erkenne ich einen Mann, dem ich vor Ewigkeiten in der mittelhessischen Pampa regelmäßig begegnete. Eine langsam aus der Erinnerung verblassende Gestalt der Kindheit. Der „Bagger-Hans“, damals vermutlich um die 40, war ein illustrer, stets singender Freund meines Opas, und, wie sein Spitzname vermuten lässt, ein Baggerfahrer. Hans und der Gliedermann sind praktisch Zwillinge. Vor der Vitrine grüble ich, ob der mysteriöse „I.P.“, der die Gliederfigur vor fast genau einem halben Jahrtausend (!) geschnitzt hat, auch eine reale Person vor Augen hatte. Einen Freund vielleicht? Seinen Lehrmeister, oder jemanden, in den er verliebt war? Wahrscheinlich ist er aber eine anonyme Idealfigur, die den Wissbegierigen etwas über den Körper und seine Proportionen vermitteln sollte. Oder war das hölzerne Kerlchen vielleicht doch wie heutige Gliederfiguren ein Hilfsmittel für die Maler*innen? Oder gar ein Kinderspielzeug, der Ken für die Barbies aus dem 16. Jhd.? Wollte ich dazu nicht eigentlich längst mehr herausgefunden haben? Egal, für mich kann er gern der Urahn vom Bagger-Hans bleiben.

Dennis Conrad, Kurator, Ausstellungen und Projekte

Liegender Anubis, Ägypten, Spätzeit, 664–342 v.Chr., MK&G

Liegender Anubis von einem Sarg

In einem Haus, das voller Lieblingsobjekte ist, ein Lieblingsobjekt auszuwählen, gestaltet sich zu einem schwierigen Unterfangen. Nehme ich das Feininger-Spielzeug der Sammlung Moderne oder lieber die Teeschale mit Kranich der Sammlung Ostasien? Spontan fällt die Entscheidung für die filigrane Schakal-Kleinplastik des Gottes Anubis. Besonders reizvoll ist für mich die schnörkellose Darstellung des Tieres. Bei ägyptischen Kleinplastiken oder Reliefs fallen immer wieder die reduzierten Formen ins Auge. Die Betonung der Außenlinien wirkt zudem stark grafisch und erleichtert ein Begreifen des Dargestellten. Auch lässt sich durch die Verwendung von gewohnten Tieren als Götterfiguren ein direkter Bezug zum eigenen Umfeld herstellen, so dass man sich den Göttern sehr nah fühlen kann. Diese Figur gehörte zu einem Deckel eines kleinen Sarges, was in Verbindung zur Bedeutung des Anubis steht. So war Anubis, Sohn des Osiris und der Isis, der Gott der Nekropole und verantwortlich für das rituelle Vorbereiten des Leichnams, vor allem die Balsamierung, Mundöffnung und die Bestattungszeremonie. Der Gott geleitete den Verstorbenen vor Osiris, wog das Herz ab und führte den Toten in das Jenseits.

Annika Pohl-Ozawa, Registrar

Ein Bezoarsteini in einer goldenen Fassung.

Amulett mit Bezoarstein, Deutschland, 17. Jh., Bezoar mit Goldfiligranfassung, MK&G

Amulett mit Bezoarstein

Der in vergoldetes Silber gefasste Bezoarstein ist ein in mehrfacher Hinsicht rätselhaftes Objekt. 1952 wurde er aus der Sammlung von Johannes Jantzen erworben. Da der Bremer Jurist und Kunsthändler mit dem NS-Regime zusammenarbeitete, wurde die Herkunft des Bezoars recherchiert, um einen unlauteren Erwerb auszuschließen. Doch seine Geschichte ließ sich bisher nicht klären. Ein orangenes Dreieck weist nun darauf hin, dass er im Rahmen der Provenienzforschung im MK&G untersucht wird. Bezoaren sagt man seit dem Mittelalter geheime Kräfte nach. Sie sollen vor Giften in der Nahrung schützen. Diese Wirkung leitet sich aus ihrer Entstehung ab. Die auch als Magensteine bezeichneten Bezoare binden unverdauliche Nahrungsreste in den Mägen von Wiederkäuern. Werden die Verklumpungen ausgespien, trocknen sie steinartig aus. Die Bezeichnung Bezoar leitet sich vom persischen „padzahr“ ab, dem Wort für Gegengift. Die besonders großen Steine kommen vermutlich aus dem Nahen Osten und stammen von Kamelen. Als Sammelstücke kamen sie seit dem 16. Jahrhundert poliert oder kostbar gefasst in die Kunstkammern. Der Bezoar im MK&G hat eine Öse und kann an einer Kette zum Schutz auch um den Hals getragen werden.

Dr. Silke Reuther, Provenienzforschung

Ein mit vielen Details verzierter Holztisch.

Prunktisch, Carl Friedrich Heinrich Plambeck, Hamburg, 1851, Palisanderholz mit Intarsien, MK&G, Foto: Roman Raacke

Prunktisch

Für seinen 1851 gefertigten Prunktisch erhielt der Hamburger Möbeltischler Carl Friedrich Heinrich Plambeck einen Preis auf der Weltausstellung in London. Der aufwendig gestaltete Tisch wurde gar als eine der „schönsten Arbeiten“, die dort gezeigt wurden, bezeichnet. Um sein Können zu demonstrieren, verwendete Plambeck neben exotischen Hölzern dünn geschnittenes Perlmutt, Elfenbein und Metall zur kunstvollen Oberflächenverzierung. Das Besondere sind für mich jedoch die farbigen Einlagen. Sie bilden Hintergründe, Blumengirlanden sowie Kleidung in kräftigen Farben. Was ist das für ein Material, habe ich mich immer gefragt. Der frühere MK&G Möbel-Restaurator Horst Krause hat diesen Tisch Anfang der 1980er Jahre restauriert und mich als damalige Praktikantin auf die beachtenswerte Technik aufmerksam gemacht. Tierischer Leim, versetzt mit blauen, roten, gelben oder grünen Pigmenten, ist als dünne Platte ausgegossen und wie Furnier ausgesägt worden. In einem relativ kurzen Zeitraum um die Mitte der 1850er Jahre fand diese farbenfrohe Technik an Möbeln in ganz Deutschland Verwendung.

Carola Klinzmann, Restauratorin Möbel und Holzobjekte

Janus, Mars und Minerva, Giovanni Battista Foggini, Florenz, um 1710/15, Bronze, MK&G

Skulpturengruppe Janus, Mars und Minerva

„Mehr als die Vergangenheit interessiert mich die Zukunft, denn in ihr gedenke ich zu leben.“ Dieser Satz von Albert Einstein, kommt mir beim Betrachten der Skulptu- rengruppe in den Sinn. Janus, der Gott mit zwei Gesichtern, eines jung, das andere vom Alter gezeichnet, ist omnipräsent. Jugend und Alter vereinend symbolisiert er Vergangenheit und Zukunft, Anfang und Ende. Vor ihm kniet Minerva. Trauert sie, die Schutzgöttin des Krieges, der Weisheit und der Künste, der Vergangenheit nach? Oder erhofft sie sich eine Antwort vom gealterten Janus, um eine drohende Gefahr abwenden zu können? Konträr dazu steht Mars, der Gott des Krieges und der Gewalt, in siegessicherer Pose vor Janus, ohne ihn eines Blickes zu würdigen. Unbeirrt verfolgt er seine brachiale Kriegsführung, steht dabei jedoch in Konkurrenzkampf mit Minerva. Denn sie verkörpert Intelligenz und Strategie, Eigenschaften, die ihr schon einmal dazu verholfen haben gegen Mars zu bestehen. Faszinierend finde ich nicht nur die Umsetzung des antiken Mythos, sondern auch die Aktualität der barocken Skulptur. Wir alle sollten aus der Vergangenheit lernen und auf die richtige Entscheidung setzen, mit der wir auch in Zukunft leben können.

Franziska Schmottlach, Praktikantin Sammlung Europäisches Kunsthandwerk und Skulptur

Eine alte Fotografie aus dem 19. Jahrhundert, auf der ein Mann seine Brille richtet.

Unbekannter Fotograf, Junger Mann beim Aufsetzen seiner Brille, um 1850, Daguerreotypie, MK&G

Daguerreotypie

„Jüngling sich die Brille aufsetzend“ heißt es lapidar auf der Inventarkarte zu dieser für ihre Zeit ungewöhnlichen Daguerreotypie. Bei ihrer Patentierung 1839 war die Daguerreotypie zwar das erste praxistaugliche fotografische Verfahren, ihre Herstellung aber aufwendig: Als Bildträger dienten versilberte Kupferplatten, die poliert, mit Jod lichtempfindlich gemacht und gleich nach der Aufnahme in hochgiftigem Quecksilberdampf entwickelt werden mussten. Jedes Bild war ein kostspieliges Unikat. Entsprechend repräsentativ und in feierlicher Pose ließ sich die gutbürgerliche Kundschaft in den Ateliers vor drapierten Vorhängen und gemalten Landschaftskulissen in Szene setzen. Der „Jüngling“ schert sich überraschend wenig um diese Konventionen, wenn er mit leicht angestrengtem Blick an der Kamera vorbeischaut und sein Gesicht mit den erhobenen Händen und der halb aufgesetzten Sehhilfe verdeckt. Bis zu einer halben Minute musste er für diese scheinbare Momentaufnahme vor der Kamera stillhalten. Ob diese Fotografie als Sinnbild erhellen sollte, wie das neue Medium die Blicke schärft, wird ein Geheimnis bleiben – weder Porträtierter noch Fotograf*in sind bekannt. Ihr Werk aber ist eine Einladung, im Detailreichtum dieser fotografischen Miniaturen auf Entdeckungsreise zu gehen.

Sven Schumacher, Sammlung Fotografie und neue Medien

Rippenschale, römisch, um 30 v. Chr. bis 50 n. Chr., Fundort unbekannt, Glas, MK&G

Antike Rippenschale aus Glas

Zwischen all den großartigen Objekten der Antikensammlung, den Vasen, den Skulpturen, der Kleinkunst, sticht sie optisch hervor: Die kleine römische Rippenschale aus Mosaikglas, deren intensives Blau den Blick des Betrachters in den Bann zieht. Dieses Blau wird durch ein weißes Spiralmuster mit einer dreidimensionalen Anmutung nochmals hervorgehoben. Aber diese Schale beeindruckt mich nicht nur wegen der hinreißenden Farbe. Der Künstler hat dafür alle Register seines Könnens gezogen, in das damals schon jahrhundertelange Erfahrungen im Umgang mit dem kostbaren Material kulminierten. Die farbenfrohe Wirkung des Glases zielte darauf ab, Gefäße aus Edelsteinen wie Achat nachzubilden, wobei man der Phantasie und dem Zufall freien Lauf ließ. Und das Erstaunlichste: Trotz des fragilen Materials hat die Glasschale die Jahrtausende nahezu unbeschadet überdauert. Das mag vielleicht dem glücklichen Umstand zu verdanken sein, dass sie als Grabbeigabe diente, oder aber auch der Tatsache, dass man diese kleine Kostbarkeit über die Zeitläufte hinweg immer zu schätzen und zu schützen wusste. Das Rätsel ihrer genauen Herkunft, ihrer Besitzer und ihres Weges durch die Geschichte tragen für mich darüber hinaus zur Faszination bei, die dieses Objekt ausstrahlt.

Ulrike Blauth, Marketing

Impressionen aus dem Erdgeschoss

Blumenartige Lampen hängend in einem Treppenhaus.

DRIFT, Shylight, 2006, Choreografierte Lichtinstallation, Seide, Aluminium, rostfreier Stahl, Elektronik, Motoren, Software, Foto: Henning Rogge

Volutenkrater, Dareios-Maler, apulisch-rotfigurig, um 340 v. Chr., Ton, MK&G, Foto: Henning Rogge

Eine Nahaufnahme von zwei männlichen Statuen.

Herkules, Antaeus und Nereus, Modell für eine Bronzefigur, Frankreich, um 1730/50, Terrakotta, MK&G

Blick in einen Ausstellungsraum der Sammlung Christentum.

Christuskind, Gregor Erhart, um 1500, Augsburg, Lindenholz mit ursprünglicher Farbfassung, MK&G, Foto: Henning Rogge

Nahaufnahme eine Klaviers in einem Raum gefüllt mit Musikinstrumenten.

Im Vordergrund: Cembalo, unbekannter Erbauer, Italien, um 1540, MK&G

Nahaufnahme eines weißen Affen aus Porzellan.

Affe, Johann Gottlieb Kirchner, Meissen, um 1732/33 (Modell), Porzellan, MK&G

Restaurierungsprozess der Vier Jahreszeiten, MK&G, Foto: MK&G/Roman Mishchuk

Die Fassung bewahren

Die Restaurierung der „Vier Jahreszeiten“

Im Erdgeschoss des MK&G bietet ein Projekt einen seltenen Blick hinter die Kulissen der Museumsarbeit: Präsentiert wird die aufwendige Restaurierung des Miniatur-Ensembles „Die Vier Jahreszeiten“ des Zittauer Goldschmieds Christoph Ertel (1670–1719) – ein herausragendes Beispiel barocker Schatzkunst.

In anschaulicher und kompakter Form vermittelt die Kabinettausstellung zentrale Etappen des Forschungsprojekts: Von Ertels kunstvoller Arbeitsweise über die aufwendige Objektkonstruktion bis hin zur faszinierenden Materialvielfalt. So konnte beispielsweise nachgewiesen werden, dass bis zu 20 verschiedene Materialien verwendet wurden – darunter bemaltes Elfenbein, vergoldetes und emailliertes Silber, Glas, Perlen sowie Edelsteine wie Diamanten, Rubine, Smaragde und Jaspis. Weitere Befunde sowie Werkzeuge eines Goldschmieds verdeutlichen die Besonderheit der „Vier Jahreszeiten“ von Christoph Ertel.