Europäisches Kunsthandwerk und Skulptur

Lieblingsobjekte

Ein altes Zimmer mit Holzmöbeln und Holzwänden.

Stube aus dem Bauernhaus des Joachim Krey, Klein-Wisch, 1744, Foto: Roman Raacke

Wilstermarscher Zimmer

Mein Lieblingsobjekt ist das Wilstermarscher Zimmer im EG des Museums. Das Zimmer als Period Room ist eine Setzung von Objekten: Truhen, Stühle, Tische, Öfen und Wandvertäfelungen, die aus der Mitte des 18. Jahrhunderts und der besagten Wilstermarsch nordwestlich von Hamburg stammen. Ich gehe in meinen Pausen dort vorbei und genieße die Ruhe, die diesem Teil der Dauerausstellung innewohnt. Der Dielenboden knarrt und ich halte inne. Nicht das am Ende doch jemand aus der anderen Seite der geschlossenen und verzierten Tür hervorlugt und mich streng zu Tisch bittet. Die Fenster sind milchig verdeckt und erlauben keinen Ausblick, erhellen jedoch mit ihrem kalten Licht den dunklen Raum, der gleichermaßen beengend wie behütend wirkt. Es ist ein winterliches Mittagslicht und ich stelle mir vor, wie hinter der beschlagenen Scheibe der Schnee auf den Feldern und der Marsch liegt. Vögel suchen darunter nach verlorenen Resten der letzten Ernte. So kann man es sich gemütlich machen für einen Augenblick, denn die Kälte findet keinen Einzug in mein Zimmer, noch die Tauben oder die heranrasenden Züge des Bahnhofs, der hinter der imaginierten Schneelandschaft das reale Feld verdeckt.

Tilman Walther, Kurator und Leitung Freiraum

Glaskännchen aus „Schackert-Porzellan“, 1751/63, Glashütte Basdorf, Foto: MK&G/Roman Mishchuk

Glaskännchen

Glas oder Porzellan, das ist hier die Frage. Das kleine, etwas unscheinbar wirkende Kännchen gehört vielleicht nicht zu den schönsten Ausstellungsstücken des MK&G und dennoch fasziniert es mich. Es ist das Resultat eines Versuches der Gebrüder Schackert in Brandenburg, das aus China bekannte Porzellan im 18. Jahrhundert auch in Europa selbst herzustellen. Das Ausgangsmaterial der Kanne ist zwar Glas, das aber nicht wie üblich durch Blasen in Form gebracht wurde, wie Bearbeitungsspuren im Inneren zeigen. Das Erscheinungsbild der Kanne steht ebenfalls in starkem Kontrast zu anderen Gläsern: Der typische Glanz fehlt und die Oberfläche wirkt fast schmutzig und nicht so strahlend weiß wie bei Milchglas. Aber wie setzt sich das Material genau zusammen und war die ungleichmäßige Form gewollt oder ergab sie sich aus dem Herstellungsprozess? Auch nach Abwägung verschiedener Beobachtungen bleiben mehr Fragen als Antworten, die mir auch die Forschung (bisher) nicht wirklich beantworten kann. Solange übt das Kännchen weiterhin seine magische Anziehungskraft aus und ich bleibe vor der Vitrine zurück, in der Hoffnung, dass das Kännchen mir sein Geheimnis eines Tages preisgibt.

Annika Thielen, Sammlung Europäisches Kunsthandwerk und Skulptur

Hamburger Schapp, Hamburg, um 1700, Foto: Sönke Ehlert

Hamburger Schapp

„Der passt aber nicht ins Wohnzimmer“ meinte eine Besucherin zu ihrer Begleitung als ich vor dem „Hamburger Schapp“ im Hamburger Zimmer im EG stand. Mit 2,60 Meter Höhe und 2,80 Meter Breite ist der barocke Schrank auch zu groß für die meisten Hamburger Wohnungen. Der „Hamburger Schapp“ entstand am Ende der Blütezeit der Hansestädte um 1700 und war damals schon nicht für das Wohnzimmer gedacht, sondern für die großen Dielen der Kaufmannshäuser. „Schapp“ bedeutet zwar nur „Schrank“, beschreibt aber einen bestimmten prunkvollen Schranktypus, welcher im ganzen Norddeutschen Küstengebiet weit verbreitet war. Furniert ist der „Hamburger Schapp“ deswegen mit dem damals angesagten und kostbaren Nussbaumholz und ist verziert mit aufwendigen Schnitzereien. Bei den Schnitzereien beweist der/die Erbauer*in ausführliche Bibelkenntnis. Dargestellt sind über 20 Figuren, überwiegend Frauengestalten aus dem Alten Testament. Die Putten an den Kapitellen symbolisieren die christlichen Tugenden Glaube, Liebe und Hoffnung und am Gesims des Schrankes ist das berühmte Salomonische Urteil zu sehen. Der Schrank ist mit seiner Größe und Kostbarkeit ein spannender Beweis des hanseatischen Reichtums.

Augustin Lavik, Jahrespraktikant Restaurierung Möbel und Holz

Nahaufnahme eines Holzkopfes, eine Gesichtshälfte ist ein Totenkopf, die andere ein junger Mann.

„Memento Mori“, Niederlande, um 1650, Buchsbaum, MK&G

Viererkopf

„Memento Mori“ In der Sammlung Europäisches Kunsthandwerk sticht mir immer wieder ein kleines, fein gearbeitetes Objekt ins Auge: Der um 1650 in den Niederlanden gefertigte Viererkopf aus Buchsbaum erinnert die Betrachtenden in seiner Funktion als „Memento Mori“ an die Unzertrennlichkeit von Leben und Tod: Das Gesicht eines Kindes, einer Frau, eines Mannes und eines Schädels an den vier Seiten des Kopfes versinnbildlichen den unaufhaltsamen Lauf unserer kostbaren Lebenszeit. Der Kopf mahnt uns, dass wir nicht länger mit der Gestaltung unseres Lebens warten sollen, sondern das tun, was das Leben zu unserem eigenen macht. Der Viererkopf zeigt mir, dass alles schon da ist, was ich von meiner Geburt an mitbringe, dass alles vorgezeichnet ist. Meine Aufgabe ist es herauszufinden, was genau das ist, welchen Platz ich im großen Ganzen einnehme. Der Jahrtausende lang andauernde Prozess, in dem die Menschheit Kulturen erschaffen und sich immerzu weiterentwickelt hat, erscheint mir ohnmächtig gegenüber ihrem eigenen Ursprung, der Natur selbst. Wir sind Menschen. Wir leben, atmen, vergehen. Nicht mehr und nicht weniger. Und genau das gibt uns die Freiheit, im Einklang mit dem Menschsein aus dem Vollen zu schöpfen.

Dominik Nürenberg, Kommunikation

Gliedermann, Monogrammist I.P., Passau, um 1525, MK&G

Gliedermann

Wenn ich unserem Gliedermann in seine hölzernen Augen blicke, den imposanten Bart und die lockigen Haare anschaue, erkenne ich einen Mann, dem ich vor Ewigkeiten in der mittelhessischen Pampa regelmäßig begegnete. Eine langsam aus der Erinnerung verblassende Gestalt der Kindheit. Der „Bagger-Hans“, damals vermutlich um die 40, war ein illustrer, stets singender Freund meines Opas, und, wie sein Spitzname vermuten lässt, ein Baggerfahrer. Hans und der Gliedermann sind praktisch Zwillinge. Vor der Vitrine grüble ich, ob der mysteriöse „I.P.“, der die Gliederfigur vor fast genau einem halben Jahrtausend (!) geschnitzt hat, auch eine reale Person vor Augen hatte. Einen Freund vielleicht? Seinen Lehrmeister, oder jemanden, in den er verliebt war? Wahrscheinlich ist er aber eine anonyme Idealfigur, die den Wissbegierigen etwas über den Körper und seine Proportionen vermitteln sollte. Oder war das hölzerne Kerlchen vielleicht doch wie heutige Gliederfiguren ein Hilfsmittel für die Maler*innen? Oder gar ein Kinderspielzeug, der Ken für die Barbies aus dem 16. Jhd.? Wollte ich dazu nicht eigentlich längst mehr herausgefunden haben? Egal, für mich kann er gern der Urahn vom Bagger-Hans bleiben.

Dennis Conrad, Kurator, Ausstellungen und Projekte

Ein Bezoarsteini in einer goldenen Fassung.

Amulett mit Bezoarstein, Deutschland, 17. Jh., Bezoar mit Goldfiligranfassung, MK&G

Amulett mit Bezoarstein

Der in vergoldetes Silber gefasste Bezoarstein ist ein in mehrfacher Hinsicht rätselhaftes Objekt. 1952 wurde er aus der Sammlung von Johannes Jantzen erworben. Da der Bremer Jurist und Kunsthändler mit dem NS-Regime zusammenarbeitete, wurde die Herkunft des Bezoars recherchiert, um einen unlauteren Erwerb auszuschließen. Doch seine Geschichte ließ sich bisher nicht klären. Ein orangenes Dreieck weist nun darauf hin, dass er im Rahmen der Provenienzforschung im MK&G untersucht wird. Bezoaren sagt man seit dem Mittelalter geheime Kräfte nach. Sie sollen vor Giften in der Nahrung schützen. Diese Wirkung leitet sich aus ihrer Entstehung ab. Die auch als Magensteine bezeichneten Bezoare binden unverdauliche Nahrungsreste in den Mägen von Wiederkäuern. Werden die Verklumpungen ausgespien, trocknen sie steinartig aus. Die Bezeichnung Bezoar leitet sich vom persischen „padzahr“ ab, dem Wort für Gegengift. Die besonders großen Steine kommen vermutlich aus dem Nahen Osten und stammen von Kamelen. Als Sammelstücke kamen sie seit dem 16. Jahrhundert poliert oder kostbar gefasst in die Kunstkammern. Der Bezoar im MK&G hat eine Öse und kann an einer Kette zum Schutz auch um den Hals getragen werden.

Dr. Silke Reuther, Provenienzforschung

Janus, Mars und Minerva, Giovanni Battista Foggini, Florenz, um 1710/15, Bronze, MK&G

Skulpturengruppe Janus, Mars und Minerva

„Mehr als die Vergangenheit interessiert mich die Zukunft, denn in ihr gedenke ich zu leben.“ Dieser Satz von Albert Einstein, kommt mir beim Betrachten der Skulptu- rengruppe in den Sinn. Janus, der Gott mit zwei Gesichtern, eines jung, das andere vom Alter gezeichnet, ist omnipräsent. Jugend und Alter vereinend symbolisiert er Vergangenheit und Zukunft, Anfang und Ende. Vor ihm kniet Minerva. Trauert sie, die Schutzgöttin des Krieges, der Weisheit und der Künste, der Vergangenheit nach? Oder erhofft sie sich eine Antwort vom gealterten Janus, um eine drohende Gefahr abwenden zu können? Konträr dazu steht Mars, der Gott des Krieges und der Gewalt, in siegessicherer Pose vor Janus, ohne ihn eines Blickes zu würdigen. Unbeirrt verfolgt er seine brachiale Kriegsführung, steht dabei jedoch in Konkurrenzkampf mit Minerva. Denn sie verkörpert Intelligenz und Strategie, Eigenschaften, die ihr schon einmal dazu verholfen haben gegen Mars zu bestehen. Faszinierend finde ich nicht nur die Umsetzung des antiken Mythos, sondern auch die Aktualität der barocken Skulptur. Wir alle sollten aus der Vergangenheit lernen und auf die richtige Entscheidung setzen, mit der wir auch in Zukunft leben können.

Franziska Schmottlach, Praktikantin Sammlung Europäisches Kunsthandwerk und Skulptur